Masaaki Yuasa já é, por qualquer métrica razoável, um dos maiores diretores de anime de todos os tempos. Suas obras se fundem e se entrelaçam entre estilos visuais, abraçando a capacidade da animação de transmitir uma experiência sensorial através de transformações visuais. E no ano de 2004, seu nome era devidamente lançado ao meio, em um filme ambicioso cheio de energia na direção da “diversão” fundamental da animação. Este é o filme do Studio 4°C, Mind Game.
O filme, adaptando o manga de 3 volumes de Robin Nishi, foi a estreia na direção de Masaaki Yuasa, e é absolutamente o filme que acontece quando alguém que está chutando em torno da indústria por um tempo finalmente vomita tudo que ele absorveu em uma explosão frenética de inspiração.
A expressão visual de Mind Game é ativamente uma surpresa. A arte de fundo apóia a expressão emocional com seu toque rude e efeitos de cor. Os layouts do filme estão cheios de distorções espaciais dinâmicas. Os personagens flexíveis, que são imprevisíveis e quebram suas expressões faciais à medida que suas emoções tomam conta, são subitamente transformados em personagens de live action pelos atores que interpretam suas vozes.
Se nada mais, Mind Game pode muito bem ser o filme japonês mais vivo dos anos 2000, utilizando pelo menos três vocabulários estéticos absolutamente diferentes à medida que avança, nenhum dos quais são desenhos de linhas nítidas de olhos grandes com cores fortes que a maioria de nós associamos como anime (embora haja algumas sequências de sonho em que o anime da velha escola é amplamente parodiado).
Mesmo dentro de seus sabores individuais, que variam de desenhos fotorrealistas a esboços que parecem os rabiscos de um adolescente entediado, a animação em Mind Game é qualquer tipo de coisa — seu traço mais marcante, visualmente, é a forma como todo o corpo do protagonista pode ser deformado em formas extremas e expressões faciais exageradas. Isso, na verdade, reflete o estilo de arte tão facilmente reconhecível de Yuasa; forjado no início de sua carreira como animador em programas infantis como Crayon Shin-chan e Chibi Maruko-chan. Como alguém fundamentalmente obcecado pelos limites da animação representacional, bem como a forma como o drama pode ser transmitido por meios puramente visuais, os animes infantis permitiram a Yuasa desenvolver um estilo mais criativo e idiossincrático para animar personagens.
Desta forma, o gosto da experiência em tela muda constantemente, de modo que mesmo na primeira parte do filme, quando o protagonista Nishi encontra acidentalmente seu primeiro amor de infância, Myon-chan, no metrô, que parece está fugindo de gangsters, se é que está, e vai a um restaurante Yakitori no bairro Yokomachi em Osaka, tem um espaço cheio de mistas maravilhas visuais que se expandirá. Nesse ponto, o filme já começou a relaxar as regras normais de continuidade e cronologia, e as cenas de abertura obviamente não se encaixam em nenhuma lacuna na trama em tela. A princípio, esta sensação de liberdade é um pouco desconcertante, mas uma vez que você se acostuma, a sensação de liberdade da estrutura de expressão existente gradualmente se transforma em uma sensação agradável.
O importante é que a “expressão” do filme não é apenas uma experiência idiossincrática per se, mas é uma que sempre transmite emoções que acompanham a história. Yuasa é um artista profundamente inventivo que está sempre ansioso para mergulhar na experimentação visual a fim de ilustrar algum ponto. O que realmente importa, de qualquer maneira, não é a presença de gângsteres no filme, mas a resposta desenfreada de Nishi ao ver Myon novamente: ele enlouquece e se lembra do quanto nunca a superou, nem remotamente, e continua olhando para seu grande peito. A pressão interior que se acumula na tranquilidade do filme rompe quando o personagem principal é morto a tiro por um yakuza da maneira mais desagradável possível. Depois de sua ressurreição, a história é estimulada, se transformando em perseguições e tiroteios, mas as surpresas que seguem o impulso são enormes e ultrapassam todas as expectativas. A ruptura interna do filme está sempre ligada à força e natureza do estado emocional entrado por seu personagem principal.
Mind Game é inteiramente sobre a percepção de Nishi do mundo e de si mesmo – isso significa que a coisa toda é um tanto espalhafatosamente obcecada por sexo e corpos femininos, o que é o tipo de receptor que normalmente me repele, mas às vezes o vulgar pode retroceder ao gênio, como a fantasia de orgia em tecnicolor em que Nishi usa seu falo como uma corda de pular.
Mind Game é, diretamente como resultado de sua subjetividade, um dos projetos de animação mais radicais feitos neste século em qualquer estilo representacional em última instância. Esse radicalismo não significa que o filme não seja uma bagunça, pois certamente pode ser. Embora seja surpreendentemente claro por que o estilo fluido está sendo empregado a cada momento – é, quase sem falha, por causa do humor de Nishi naquele momento, movendo-se entre luxúria, medo, raiva ou triunfo com pistas visuais para partida.
Devo admitir que pode ser um pouco cansativo depois de um tempo, honestamente. Para mim, é durante a parte mais lenta do interlúdio da baleia, onde você pode começar a desejar que o filme não parecesse tão livre para entrar de cabeça em cada toca de coelho que chamasse a atenção de Yuasa.
O objetivo do filme, ilustrando uma mente agitada em um estado de pânico quase constante, seja romântico ou existencial, explica a enxurrada de momentos desconectados, mas seria possível acusá-lo de não estar unido por nenhum laço mais forte do que “coisas legais acontecem das formas mais imprevisíveis”.
Em vista disso, a cena entre Nishi e Deus, que se transforma de aparência a cada movimento e corte, é uma maravilha da animação e da teologia sarcástica, e nunca teria aparecido em um filme que exercesse qualquer tipo de disciplina ou restrição. O mesmo para a montagem final, que envolve o destino de quase todos os personagens importantes em rajadas rápidas de narrativa visual que legitimamente não podem ser desembrulhadas sem um botão de pausa. Devidamente finalizado com um corte do próprio lendário deus da animação, Shinya Ohira.
Um dos papéis mais importantes do cinema é o de nos libertar dos limites do cotidiano. Este filme responde a esta necessidade fazendo pleno uso das características da animação. Esta característica é a capacidade de extrair sentimentos reais e de pintá-los no movimento contínuo dos quadros. O talento e a visão criativa incansável de Yuasa estava em exibição antes mesmo de ele florescer como um diretor inigualável (em lugares como Shin-chan), portanto, mesmo que nos concentremos apenas em suas técnicas de animação, ele tem um poder tão tremendo que quando o protagonista corre com seriedade, todo o espaço-tempo da tela torna-se “sério”.
Com seus layouts arrumados, personagens e histórias que não se desfazem, os trabalhos de anime dos últimos vinte anos parecem ter perseguido “algo belo como um produto”. Este é um objetivo tão justo e significativo quanto qualquer outro, mas há sinais de que tanto os criadores quanto o público começaram em algum momento a pensar (anos 2000?) que “basta” e “não parece haver mais nada novo por vir”. Desde seu primeiro filme, Yuasa se provou um artista que está sempre feliz em explorar os limites do vocabulário visual do anime. O trabalho de Yuasa é sobre encontrar os limites do meio e ver o que exatamente podemos fazer com a animação. Francamente, todos os campos artísticos precisam de pessoas como Yuasa, que estão dispostas a explorar as fronteiras mais distantes do conteúdo e da técnica. Mind Game é uma façanha deslumbrante, uma cornucópia de novas ideias e visuais surpreendentes e chocantes. É um inconfundível Yuasa.
Agradecimento especial aos apoiadores: João Carlos, Nicolas, Victor Yano e Apolo Júnior. Se você gostar do que escrevemos e publicamos e gostaria que continuássemos mantendo o site e podcast, por favor considere também nos apoiar mensalmente no nosso PicPay, ou doando um PIX para hgsanime@gmail.c
