E daqui dou inicio a minha mais recente pilha de artigos; onde estarei na busca de examinar o trabalho, estilo e visão de determinados diretores, obras e animadores. E como fica nosso cronograma? Sexta-feira sim, sexta-feira não. Bem, mas para esta semana vou destacar uma das vozes mais criativas e pouco conhecidas da indústria — aproveitando que seu nome está de volta para esta temporada de inverno 2019.
Última atualização: julho de 2021
Shinichi Omata
O foco do artigo será Shinichi Omata, um dos maiores talentos de storyboard da indústria, que ficou mais conhecido recentemente por dirigir Shouwa Genroku Rakugo, que, em primeiro lugar, é indiscutivelmente o melhor trabalho de série do diretor — há uma tonelada de talento aqui; coisas como reflexos em objetos de vidro e algumas representações de alto calibre.
Apesar de Genroku Rakugo ser um anime que justamente mereceu todo o seu enaltecimento, tem havido pouca conversa na comunidade sobre seu diretor — Shinichi Omata. Como resultado de ter recebido poucos créditos de produção (muitos deles sendo de OVAs adultos sob um pseudônimo diferente), ele não é o nome mais reconhecido da indústria de anime. No entanto, quando se examina seus esforços mais recentes no estúdio Deen, você encontra um dos mais brilhantes talentos de storyboard atualmente trabalhando em animes. Omata traz à mesa um toque discreto, mas caprichoso, que pode transformar o material fonte, normalmente mundano, que ele coloca a mão, em uma jornada elaborada e teatral. Então, vamos conhecer um pouco mais sobre a jornada deste talento.
Apesar de anteriormente ser creditado por seu pseudônimo Shinichi Omata, seu verdadeiro nome é Mamoru Hatakeyama. E embora ele esteja trabalhado em animes desde os anos 90, seus créditos mais notáveis foram os de storyboard em episódios de animes populares do estúdio Shaft, como Madoka Magica e Hidamari Sketch — foi se juntando ao estúdio que ele deu seus primeiros grandes passos na indústria de anime. Este recorte temporal foi uma parte importante da carreira do diretor, pois a Shaft foi o lugar onde ele desenvolveu seu estilo moderno de direção. Não é por acaso que você verá tons do estilo interno da Shaft (o que chamariam de estilo Shinbo) nos animes de Hatakeyama, já que sua direção criativa foi fortemente derivada daquela escola de talentos. Agora operando no estúdio Deen, Omata gosta de usar close-ups íntimos, cortes rápidos de cenas e um ocasional simbolismo minimalista dentro de suas obras – o último sendo seu trunfo dourado.
Ao contrário de outros diretores da Shaft, o estilo de Hatakeyama é mais silencioso, com um foco principal em atrair o espectador para o mundo de seus personagens e mantê-lo lá. Ele é um mestre sutil de atmosfera, humor e cenografia, por isso não é uma surpresa que muitos de seus animes soem como peças teatrais independentes — tanto no sentido figurado quanto no sentido literal.
Omata em Sankarea
Sankarea foi sua estreia como diretora no estúdio Deen, e apesar de habitar em um mundo diferente de Rakugo Shinju, continua sendo uma entrada importante na carreira do diretor. Sankarea mostra o quanto de diferença o toque de Omata faz. Os três primeiros episódios do anime, em particular, destacaram-se por seu storyboard detalhado e layouts dinâmicos. Durante esses episódios, o diretor apresenta cenas que efetivamente capturaram as interações desajeitadas entre o protagonista adolescente e a heroína. Um de seus truques mais consistentes — um capricho de enquadramento que espelha o bloqueio entre personagens, em Sankarea ocorre em uma pista de boliche, um clima que é brincalhão e paquerador é evocado através de truques de enquadramento, mas no final é enfatizado as barreiras físicas entre os personagens.
O estúdio Deen, no fim, não é um nome que tem sido tradicionalmente associado a produções de animes de alta qualidade, mas o trabalho de Omata demonstrou um forte senso de teatralidade e compreensão tanto do belo enquadramento quanto da direção como uma ferramenta para transmitir a intimidade desde o início. Basta olhar para algumas das primeiras sequências do seu primeiro grande projeto por lá, Sankarea — em uma conversa inicial entre dois personagens, usam-se assentos de arquibancada, uma única lanterna e o posicionamento do personagem para transmitir níveis de conforto mutáveis em um relacionamento em evolução. Os objetos físicos são usados como barreiras emocionais, criando uma sensação de crescente intimidade que o público pode sentir de maneira tangível, mesmo que não consiga explicar por que está funcionando. É exatamente o tipo de truque de “frames também tem emoções” que você pode ver em um show como Monogatari, mas isso é retirado das armadilhas mais interpretativas que pareciam se tornar parte e parcela das produções da Shaft mesmo em shows como Nisekoi.
Omata e Rakugo
Dado este talento para o teatro e o enquadramento proposital, parece mais que apropriado que o primeiro grande trabalho de Omata seja um espetáculo abertamente focado no rakugo: uma forma de arte muito estranha; é essencialmente uma peça de um homem só, presa a uma série de suposições formais, onde as histórias esperadas são tão bem conhecidas que a arte vem de como cada artista de rakugo faz um conto clássico. É um trabalho de performance. Um grande artista de rakugo não conta apenas uma história — ele faz a história ganhar vida; ele incorpora os personagens e os traz para o público, trazendo risos, lágrimas ou até mesmo um terror inesperado. Com apenas seus corpos no palco, rakugo é um teste das habilidades dos contadores de histórias.
Criar um anime de época sobre uma forma de arte de nicho baseada na entrega física parece ser uma tarefa difícil, fadada ao precipício da trágica ambição, mas a mão cuidadosa de Omata e a brilhante equipe de interpretação de voz realmente dão vida à arte. Da mesma forma que os artistas dessa arte, o anime Genroku Rakugo Shinju também foi um teste a respeito da habilidade de Omata como um diretor compassivo. Rakugo não é algo que seja fácil de se recriar em animação, muito menos que seja atraente para o público não familiarizado com o estilo de arte baseado em performance. No entanto, o diretor foi capaz de estender a mão e oferecer performances de rakugo cativantes e imersivas. A força de Omata sempre foi seu storyboard reflexivo. Ele é o tipo de diretor que adora, e construiu seu estilo em torno de, descrever os gestos mais sujos e pessoais/íntimos das pessoas. Um verdadeiro voyeur. Como uma forma de arte distinta, o rakugo depende muito da entrega visual; nos pequenos detalhes do trabalho de bloqueio e expressão que permitem que um ator habite simultaneamente os “muitos eus” de sua persona. A animação não pode retratar cada gesto físico, mas, como o próprio teatro, pode falsificar as largas pedras de toque e preencher as lacunas.
Em Rakugo, também temos diferentes “personagens” sendo enquadrados como conversando entre si através da tela, enfatizando acentuadamente as mudanças distintas na linguagem corporal de uma maneira perfeitamente adequada para um meio de televisão. Mesmo quando os shots se movem para trás, este truque de enquadramento em ângulo continua, agora capaz de usar as mudanças na postura física de Yotaro para demonstrar a natureza coesa de sua performance.
As peculiaridades, encantos e falhas de cada contador de histórias estão em exibição total. Indo para o começo, o primeiro grande desempenho de Yotaro é a peça final do primeiro episódio, uma provação de quinze minutos que transmite maravilhosamente tanto a força de sua performance quanto a experiência pessoal daquela apresentação enquanto vive. Começamos no fundo da cabeça de Yotaro, quando ele entra em pânico sobre se conseguirá impressionar seu antigo chefe, se perguntando por que ele mesmo escolheu perseguir o rakugo em primeiro lugar. As sequências seguintes capturam alternadamente sua tensão facial e o tremor de seus membros, e quando ele sobe ao palco, a câmera realmente fica com seus olhos virados para baixo, principalmente pegando o chão enquanto ele ouve sua própria introdução. Quadros claustrofóbicos transmitem seu próprio senso de pânico e aprisionamento enquanto ele toma a palavra, desesperado para ter sucesso. Mas então ele respira fundo, faz um sorriso modesto, e de repente ele é um artista no palco.
Omata capta os nervos iniciais dos desempenhos para interpretar a arrogância de forma tão natural que assistir a uma apresentação completa de 15 minutos parece facilmente digerível. Muitas performances de rakugo são compostas de tomadas estáticas do contador de histórias, com cortes ocasionais inteligentes e bem arquitetados; não é cinematografia chamativa em qualquer extensão, mas isso não torna as coisas menos cativantes ou eficazes. O foco é inteiramente no contador de histórias, em muitos aspectos, pagando o nível mais profundo de respeito ao rakugo como uma forma de arte.
Omata e Rozen Maiden
Omata sendo também o mestre de marionetes por trás de Rozen Maiden de 2013 — a temporada foi uma partida cinematográfica de suas versões anteriores. Entre os designs de personagens góticos da franquia Rozen Maiden, a configuração do Battle Royale e os motivos visuais abertamente de Alice no País das Maravilhas, Omata decidiu adotar uma abordagem mais teatral com a direção do anime. Ele brincou com o simbolismo visual e narrativas de contos de fadas em várias camadas através do anime para dar forma aos seus temas de sonhos, memória e existência pessoal.
Olhando para Rozen Maiden, superlativos praticamente saltam à minha mente. Elegante. Minimalista. Profundo. Inquietante. É um produto simplesmente distinto — o que reflete a confiança e a visão distinta ela mente criativa por trás de tudo, Omata. Toda a sequência em um quarto de hospital era especialmente bonita — feita de composições e cores que promovem efeitos emocionais ressonantes. Todos os momentos individuais são um destaque — os closes e expressões faciais, tão característicos como já mencionado, o uso de sombras e do luar, vidro quebrado… A animação em si do programa é boa, mas é a cinematografia de Omata que realmente eleva o material à grandeza. A maneira como o diretor faz a transição entre closes de rostos humanos com os de bonecas, cenas de perspectiva onde ha lacuna em suas dimensões físicas, é impressionante. O que temos aqui é sombrio, sobressalente e principalmente minimalista. Omata traz à mesa uma visão madura e um tanto obscura da mitologia em um mundo onde a solidão, os empregos sem futuro e as dificuldades financeiras são os problemas reais que cada dia traz.
Ele raramente se contenta em apresentar uma imagem de maneira ortodoxa. Rozen Maiden, ainda como exemplo, é uma série que é incessantemente interessante de se ver, desde a maneira como as cenas de perspectiva enquadram as bonecas, apresentando layouts criativos layouts, até a maneira como ele apresenta uma cena como a comunicação por e-mail de Wound Jun, no episódio 07. Este é um anime positivamente feito de estilo, como Sankarea foi — não o tipo intrusivo que sobrecarrega o material (não preciso gastar tinta com nomes aqui, ~cofcofshinbo-), mas algo que comunica o humor da história de maneiras criativas e interessantes. A proximidade sufocante do mundo de Unwound Jun domina o clima, mas também há grande beleza — as bonecas nunca pareceram mais bonitas ou mais frágeis do que quando Omata as apresenta a Jun ou os móveis de seus apartamentos, e em todas as cenas com Saitou ela acende o mundo como o sol da manhã.
Enquanto Showa Genroku Rakugo Shinju foi, sem dúvidas, o melhor trabalho de Omata em termos de como o seu estilo complementou e abraçou o material de tal forma, esses outros projetos seus têm muito a dizer.
O resultado final dos esforços de Omata foi um Rozen Maiden que foi mais focada do que seus antecessores e capaz de capturar um nível equivalente de arte como do mangá. É inteiramente possível que as duas primeiras séries teriam ressoado muito mais se tivessem seguido mais de perto o original em letra e espírito, como acontece com esse produto pós “tratamento Omata”. Não há como negar que esta série é, acima de tudo, uma ilustração da alegria de ver artistas fenomenalmente talentosos como Mochizuki e Omata trazendo suas visões para a tela pequena em forma de anime. A coisa notável sobre alguns episódios deste show e de outros de Omata, é que eu acho que poderiam ser assistidos com o som desligado – é uma verdadeira festa visual.
Graças ao sucesso estrondoso de Genroku Rakugo, Shinichi Omata está finalmente começando a entrar no campo de visão do público. Enquanto ele só tem um punhado de créditos de anime e episódios, ele provou ser um dos talentos de storyboard mais vigilante do setor.
Omata em Kaguya-sama: Love is War
A tarefa do diretor é recriar a vida: seu movimento, suas contradições, sua dinâmica e seus conflitos. Shinichi Omata assume em Rakugo o máximo de um projeto de prestígio. Pessoalmente, ele me faz desejar que ele possa viver plenamente seu potencial. Suas séries são genuinamente encenadas sobre o desempenho, sem dúvida, tem todos os elementos para um dia criar uma obra-prima. Como alguém que ama anime com uma grande atenção aos gestos e detalhes, que os diretores da KyoAni no seu melhor sabem lançar, Omata definitivamente arranha essa coceira. Seus storyboards fluem lindamente, de um momento maravilhoso deliberado para o seguinte. Um diretor de direção sutil, mas poderosa. Obras como as de Shouwa Genroku Rakugo nos dão uma prova de que o gênio criativo ainda pode florescer em animes.
Omata me soa os alarmes de – “isso é anime como arte!”. É o portfólio de uma pessoa séria sobre o seu ofício e abençoada com brilho na comunicação de sua visão. Fique de olho em mais dos animes de Omata, pois há muito mais ideais em sua direção.
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